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La Favorite de Gaetano Donizetti a été très difficile à écrire: cela avait commencé comme un remake de L'Ange de Nisida auquel le compositeur a ajouté des extraits de ses autres opéras. Créée à l'opéra de Paris, l'oeuvre se déroule au XIVème siècle dans le Royaume de Castille et conte l'histoire d'amour malchanceuse de Fernand, qui hésite a entrer dans les ordres et quitte le monastère de Saint-Jacques de Compostelle, et de Léonor, maîtresse du roi Alphonse XI. C'est un drame dans lequel l'histoire et la politique ne sont que l'arrière plan des tourments et des passions des protagonistes. La direction de Fabio Luisi est à la fois personnelle, variée, énergique et équilibrée.

Profondément luthériens, les deux complices Schütz et Schein ont écrit ces oeuvres empreintes de frugalité, d'humilité voire d'austérité, baignés par l'esprit de leur temps. Ces deux grands compositeurs n'en restent pas moins animés d'une passion brûlante, paradoxalement très rattachée à l'italianisme, qui s'exprime ici de manière évidente. Avec son ensemble La Tempête, Simon-Pierre Bestion s'impose désormais comme l'un des interprètes les plus créatifs de la planète musicale, revisitant les répertoires, mettant en parallèle des oeuvres de style et d'époques différents. à la tête d'une troupe d'interprètes aussi à l'aise dans la musique médiévale que dans la création contemporaine, il propose ici une "réécriture" pour un orchestre fourni et coloré, accompagné par un chanteur libanais, spécialiste du chant byzantin dans le rôle du récitant évangéliste : une relecture inédite de ce mysticisme ardent et enfoui, offrant à ces musiques une vitalité et une chaleur inattendues...

Johann Jacob Froberger fait certainement partie, au même titre que Bach, Couperin ou Scarlatti, des compositeurs majeurs pour le clavecin. Au service de Ferdinand III de Habsbourg, l'empereur du Saint-Empire romain germanique, celui que l'on surnomme parfois le Chopin du clavecin effectua pour celui-ci de nombreux voyages dans toute l'Europe, et s'appropria les deux styles alors dominants : celui des Toccata et autres Canzon italiennes, et celui des suites de danses françaises. Ces dernières lui donnèrent l'occasion de mettre en musique de nombreux événements de sa vie, dont plusieurs que l'on retrouve dans cet enregistrement : certains tristes tels les Tombeaux ou la Méditation sur ma mort future, d'autres plus aventureux comme cette traversée du Rhin "dans une barque en grand péril", véritable oeuvre à programme. Que ce soit dans un style ou dans l'autre, ce disque illustre à quel point le clavecin trouve chez Froberger l'un de ses répertoires les plus riches, les plus sensibles et expressifs.

Henriette Renié (née à Paris le 18 septembre 1875, morte le 1er mars 1956) est une harpiste, pédagogue et compositrice française. Elle est connue pour avoir enseigné à de nombreux harpistes célèbres et pour avoir inventé une méthode d'enseignement de la harpe restée en usage longtemps après sa mort.

Cet enregistrement live fait plus que jamais ressortir le brio de cette histoire d'amour orientale, d'amitié et de devoir. Durant les 150 dernières années, l'oeuvre de Bizet a été principalement entendue dans des éditions qui s'éloignent de le la composition originale. Cet album au contraire, offre le premier enregistrement de la version originale de 1863, reconstituée et publiée par Bärenreiter en 2015. Les pêcheurs de perles a toutes les caractéristiques du lyrisme, de l'exotisme et du drame à la française et les quatre solistes font partie des meilleurs musiciens dans ce répertoire.

La circulation des artistes comme des souverains entre la France et l'Angleterre au XVIIe siècle a permis d'affirmer outre-Manche des genres extrêmement originaux : premiers récitatifs, grands airs de Mask, "scènes" dramatiques constituent un riche terrain d'expérimentations préparant la naissance du semi-opéra... Sébastien Daucé propose d'explorer cet art vocal anglais en offrant un programme taillé sur mesure à l'une des voix les plus fascinantes d'aujourd'hui : Lucile Richardot, au coeur de l'écrin de l'ensemble Correspondances, lie avec subtilité musique, amour, nuit et mélancolie.

Connu pour sa direction énergique et remarquée depuis le clavecin, le jeune et étonnant Maxim Emelyanychev, chef d'orchestre depuis l'âge de 12 ans, est aussi un soliste accompli, titulaire de nombreux prix internationaux. Pour ce premier disque en solo, c'est à nouveau Mozart qu'il grave. Les fameuses Sonates n°14, 16 et 18 (K.457, 545 et 576) ici enregistrées - introduites par une Fantaisie au discours grave - témoignent de la maturité d'un langage mozartien dans sa dernière manière, aux accents pré-beethovéniens. Maxim Emelyanychev déploie au pianoforte un phrasé agile et clair, et tisse une dramaturgie marquée tant par sa puissance expressive que par la délicatesse de ses ornementations. La vitalité, le talent de ce musicien surdoué évoquent spontanément la figure d'un Mozart ébouriffé et génial, comme croqué par Milos Forman dans Amadeus.

Une première mondiale C'est à l'initiative d'Antoine Tamestit et grâce à une complicité musicale de longue date entre l'interprète et le compositeur Jörg Widmann que cet enregistrement a pu voir le jour. L'itinérance du soliste au coeur de l'orchestre, comme son jeu pénétrant dans les oeuvres plus intimes, libèrent des processus créatifs et des combinaisons sonores inédites : entre humour et sérieux, férocité et délicatesse, la dramaturgie immanente à la musique de Widmann en révèle la beauté singulière et poignante et hisse l'altiste en héros, à cors et à cris !

L'impressionnisme est un terme qui fit toujours débat, les artistes peintres, musiciens ou écrivains ayant eux-mêmes exprimé une grande méfiance devant cette appellation. Ce terme n'est donc utilisé ici que pour amener une couleur, une teinte particulière à ce programme musical. Il est également intéressant de poser le postulat qu'un grand fil conducteur existe depuis les compositeurs français de la fin du XIXe siècle jusqu'à aujourd'hui. Un trait d'union pouvant être tracé entre Fauré, Debussy, Dutilleux, Florentz, etc., et celui-ci ne s'arrête pas.

Bonbon Vodou c'est la rencontre d'Oriane Lacaille, fille d'une grande famille de musiciens réunionnais, et de JereM, fils... de 2 psychiatres lacaniens. JereM fait glisser le quotidien, de rythmes en mélodies détournés par les Caraïbes et l'Afrique, dans la poésie dépaysé d'un tour du monde immobile. Puis Oriane, rentre en scène. Elle porte le métissage "zoréole" de ces moitiés-moitiés de la Réunion et de la Métropole. Avec Kayamb et Caron - percussions traditionnelles - mais aussi avec sac plastique et ukulélé électrique, elle va frotter la chanson de blanc-bec aux intuitions rythmiques nées de ce métissage... Baigné par la douceur des 2 voix claires et porté par un groove minimaliste et ravageur, Bonbon Vodou distille la joie et propage son onde amoureuse.

Cet album est double parce que Arthur H sait que nous sommes mélancolie et joie, chagrin et liesse. Cet album est double parce que nous sommes celle ou celui qui aime danser pieds nus sur la moquette, et puis nous sommes aussi celle ou celui qui regarde le ciel en écoutant des chansons qui font toujours frissonner et pleurer. Cet album est double parce que nous sommes "chien fou" et "loup doux" à la fois. Mais surtout Amour chien fou est un disque d'amour, c'est écrit dessus, vous n'aviez pas loupé l'information, n'est-ce pas ? Ecoutez comme Arthur H parle merveilleusement des gens qu'il aime. Et il sait aimer les femmes, les amis, les frères, les soeurs, les vaincus, et les fantômes, il pleure avec nous parce que continuer de vivre c'est voir mourir les siens, il pleure et il chante, et il ne cesse de nous faire danser. Le disque a été imaginé pendant et entre les escales d'un tour du monde et puis, avant d'être mixé et masterisé à Montréal, cette ville du Grand Large, où monsieur H retrouve son souffle, il a été conçu et enregistré avec ses complices au coeur de Paris, au coeur brûlant de l'été 2017, à la Maison de la Poésie. Arthur y a d'ailleurs retrouvé son compagnon de toujours Nicolas Repac, co-réalisateur, qui a amené avec lui sa cargaison de samples fantastiques et fantomatiques ainsi que ses guitares envoûtantes de griot blanc.

Quatre ans après "Les chansons de l'innocence" retrouvée, ce "Diskönoi"r entêtant qui donnera lieu à la tournée de toutes les extases, Etienne Daho était prêt pour une nouvelle aventure. Celle-ci prend corps sous le nom de "Blitz", un album que le chanteur a voulu comme un défi, un bras d'honneur à la torpeur ambiante, nous enjoignant à rester "léger face au danger", lui qui ces dernières années est ressorti plus fort de bien des batailles et n'a jamais perdu sa légèreté de vivant, ni sa prodigieuse inspiration. En témoigne l'un des disques les plus aventureux de ses (presque) quarante années de funambulisme pop, à la fois fresque psychédélique de haut vol et recueil de ballades planantes qui ajoutent quelques chapitres (Les flocons de l'été, L'étincelle) à cette déclinaison de l'élégance française dont Daho est l'incontesté souverain.

"Le choix du fou" marque le grand retour de Michel Sardou. Son dernier album enregistré en studio 'Etre une femme 2010' date de ...2010. C'est un événement car ce sera le dernier album de la carrière de ce monstre sacré de la chanson française. Dernier album pour lequel Michel Sardou se fait, une fois encore, le témoin de son temps, en reprenant le thème du divorce avec "Et alors", ou celui des métiers qui se perdent avec "Le médecin de campagne". Des thèmes inédits aussi, comme la chanson sur le Pape : "San Lorenzo", l'écologie : "La colline de la soif" et ses débuts au cinéma : "Le figurant" où il apparaît quelques secondes à peine, dans le mythique "Paris brûle-t-il" tourné en 1966 par René Clément. Pour la réalisation de ce disque, Michel Sardou s'est entouré de fidèles : Pierre Billon, Jean Mora, Thierry Blanchard.

Rares sont les groupes qui parviennent à véritablement concilier l'évidence de la Pop à la profondeur de la Poésie. Le Roi Angus est de ceux-là. Les genevois livrent avec " Est-ce que tu vois le tigre ? " un deuxième disque sous forme d'invitation à la curiosité et à la réflexion. Un album où prose et arrangements élégants côtoient des chansons imparables, pleines de groove. D'abord, il y a l'évidence : ces refrains accrocheurs, des formats de chansons somme toute assez directs, un quelque chose d'aguicheur et de joueur. Puis, on s'aperçoit que derrière tout ça, il y a un langage subtil, des arrangements et une production élégante, une prose magnifique, un questionnement, une posture. Depuis les "îles essentiel(les)" de 2015, 1er album écrit dans une grande spontanéité, le groupe a mué, laissant ses nouvelles compositions évoluer deux ans durant. Ils se sont alors envolés pour une Istanbul en plein bouillonnement politique (ils y étaient en studio durant les attentats de juin 2016 et une semaine avant la tentative de putsch) et en ont ramené un album aux ambiances vaporeuses et hypnotiques (à l'image de la pochette réalisée par l'artiste turc Mehmet Ali Türkmen, inspiré d'une oeuvre du Douanier Rousseau). Lorsque se clôt le disque sur les cuivres lancinants et les cours de " Bristol ", on se dit qu'il vient de se passer quelque chose de grand. Formé en 2014 dans un appartement utilisé parfois comme salle de concert, le groupe a depuis enchaîné les concerts (Paléo, MaMa, Montreux Jazz, Europavox, etc.) et se profile aujourd'hui comme le fer de lance d'une pop rock doucement psychédélique et en français

16 chansons originales créées par le groupe. La griffe habituelle de Mary-Lou avec une touche de rock'n roll !

"La Green Box" nous offre un espace de liberté entre acoustique et machines, au service des textes d'un poète humaniste et visionnaire. Nous voulons le jouer partout où les moyens techniques nous le permettront, sur des scènes rock ou des centres culturels, dans les milieux scolaires, dans les prisons, à l'étranger... Victor Hugo s'adresse à tout le monde et il nous tient à coeur d'en profiter. Nous aimons évoluer au sein d'une culture populaire, nous inspirant de l'homme qui rit et des bateleurs de la Green Box. Nous irons chercher notre public chez les jeunes et les moins jeunes, ceux qui connaissent Victor Hugo et ceux qui le découvrent, francophones ou pas, conquis ou à conquérir." Florent Vintrigner & Benoit Laur

Deux événements significatifs ont précédé la sortie de Liberté Chérie, septième album de Calogero. Tout d'abord la sortie, quelques semaines avant, du premier extrait « Je joue de la musique », tube imparable muni d'une mélodie comme le chanteur n'en avait pas connu depuis longtemps et signe d'un retour inspiré après l'accueil mitigé réservé au prédécesseur (Les Feux d'Artifice, 2014).

Quatrième album studio d'Amélie-les-Crayons. Un nouvel univers très percussif, dansant et festif 12 nouveaux titres originaux pour un album rythmé et enjoué. Réponse colorée au précédent album Jusqu'à la Mer qui était introspectif, très boisé, comme un cocon précieux. Ce nouvel opus sera marqué par l'utilisation d'un grand nombre de percussions ou éléments rythmiques. Une grande partie des chansons a été composée à partir d'un rythme, et non d'une harmonie ou suite d'accords. Les arrangements vont donc prendre un chemin beaucoup plus cinglant et dynamique. Ils vont faire la part belle aux percussions donc, mais aussi aux guitares folk claquantes, mandoline, harmonica, slide, et bien sûr piano et voix. Un côté tribal parfois, autour de textes qui parlent de filiation, de liens antre les gens, d'écologie aussi, de solidarité et d'espoir.